BE KIND, REVIEW!

Après un For your eyes only qui remontait de façon bien visible la qualité des Bond période Moore, voilà que la deuxième participation de John Glen la fait retomber de nouveau. Pas de panique ceci dit : on est loin de la connerie abyssale des quelques Moore précédents, et parfois on a même l'impression que l'on va voir un film correct. Le point fort de cet épisode, c'est bien entendu son récit qui a le mérite d'être dans la lignée du précédent, à savoir une trame qui ne cherche pas à opposer Bond face à un homme qui veut détruire le monde via des moyens abracadabrantesques. Ici donc, après une séquence pré-générique inutile, on retrouve un contexte de Guerre Froide dès les premières images à Berlin Est, et une menace à base de vol de bijoux où on ne sait pas trop où ça va nous mener même si, comme souvent, on sait déjà à l'avance quel sera le rôle de chaque personnage. Quelques surprises au niveau de l'écriture, puisque l'on a un climax où Bond est dépourvu d'arme et de moyen de prouver son identité. Cela donne un côté chasse à l'homme pas déplaisant du tout, même si on aurait aimé le voir un peu plus exploité (idem pour celle de la chasse dans la jungle). Même niveau mise en scène ça tient plutôt bien la route, à l'image du précédent film c'est carré, efficace (la séquence du train notamment) avec même quelques bonnes idées. A quelques exceptions près, Octopussy marche aussi bien dans les séquences d'action que dans les parties plus posées.

En revanche, et encore une fois avec Roger Moore, l'humour est vraiment le rajout de trop. Entre la totalité des stéréotypes sur l'Inde, les costumes de Bond (gorille, crocodile et même clown) et surtout ce cri de Tarzan en pleine séquence de course-poursuite, on atteint un beau quota d'idée à la con, ce qui est d'autant plus dommage que le film avait vraiment le même potentiel que son prédécesseur qui arrivait mieux à se passer de cet aspect. Une nouvelle fois, Moore prouve à quel point il est trop vieux pour le rôle, on a même une courte séquence avec Moneypenny qui s'en moque un peu. Pour le coup, impossible de comprendre comment Moore a pu être gardé aussi longtemps, surtout que ça se ressent énormément sur les séquences d'action où il n'est pas doublé. Pour le reste, les James Bond Girl sont largement oubliables (je n'ai jamais compris la réputation du perso de Maud Adams qui a pourtant très peu de présence à l'écran) et c'est globalement pareil pour la chanson. Clairement pas le pire Moore, on relativise bien après avoir traversé des trucs comme Moonraker, mais on n'est pas devant un bon film pour autant, malgré le potentiel.

Septième et dernier opus où Roger Moore jouera l'agent 007. Certes, cela faisait longtemps que l'âge de l'acteur se voyait à l'écran, mais là on atteint quand même un sacré niveau, notamment au niveau des séquences d'action où il est obligé de se faire doubler sur la quasi-totalité des plans, les plans où il apparaît étant ceux où il n'a qu'a marcher ou tourner la tête. C'est dommage car niveau script ce film est dans la lignée du précédent, à savoir une trame plus plausible, avec un méchant intéressant (ici on a carrément le résultat d'une expérience nazie), même si les défauts sont toujours là, à savoir des gags bien forcés et cette volonté de continuer sur la lancée d'un James Bond léger. Dans cet épisode donc, il est assez effrayant de constater que le méchant vole la vedette à Bond en terme d'intérêt, et c'est vraiment ce qui crée l'ennui au fur et à mesure puisque l'on se désintéresse rapidement de ce que fait l'agent, alors que les séquences avec Christopher Walken sont clairement les meilleures du film. Niveau humour, même si on est toujours sur du Roger Moore force est de constater que ça c'est plutôt calmé. Ainsi, le fond est touché dès le départ avec une séquence de snowboard sur les Beach Boys, et du coup on relativise quand même vachement sur ce qui vient par la suite (et notamment un meurtre pitoyable avec un papillon). Pour le reste, c'est plutôt anecdotique, John Glen est moins inspiré que les deux précédents opus malgré des bonnes idées (ce final sur le Golden Gate, le personnage de Grace Jones) et la chanson-titre 80's kitsch est insupportable. Un film qui confirme que le départ de Moore devenait à ce stade une nécessité, et qui marche la fin de l'ère où James Bond a été ridiculisé comme jamais. Personne ne s'en doutait sûrement à l'époque, mais une page importante de l'histoire de 007 se tournait alors.

Assez surpris de la très mauvaise réputation de celui là (Cuarón lui-même s'accorde à dire qu'il trouve le film très mauvais), d'autant que c'est tout de même bien meilleur que sa précédente réalisation qui, elle, est bien plus appréciée généralement. On est donc ici devant un pur film de commande qui consiste en la réadaptation d'un roman ultra-connu de Dickens, avec cette fois la volonté de transposer l'action à notre époque. Si certains points marchent, on est quand même loin de la réussite d'un Roméo + Juliet (œuvre qui a sûrement influencé la production du film de Cuarón, mais qui restait très fidèle au récit original), et on se retrouve donc devant un récit sur lequel on a pris des libertés, pour le meilleur comme pour le pire. Globalement, c'est le genre de film où j'aurais du mal à le considérer comme bon, mais il y a tellement plein de petites choses à sauver que cela reste un métrage assez appréciable, et d'autant plus intéressant lorsqu'on le replace dans la filmographie de son auteur. Ainsi, les séquences avec Chris Cooper, la dernière séquence de Robert De Niro (dommage que son personnage soit traité n'importe comment) et surtout ce fabuleux faux plan-séquence où le couple doit trouver son indépendance (le premier vrai moment de grâce pour Cuarón en terme de mise en scène pure) font parfois oublier le surjeu d'Anne Bancroft, les dessins immondes que l'on voit tout le long du film, et globalement tout le script qui empêche les personnages d'exister d'un point de vue émotionnel. Bref, Cuarón avait encore tout à prouver à l'époque sur le territoire américain, et c'est d'autant plus étonnant de se rendre compte que c'est avec une licence comme Harry Potter qu'il trouvera enfin une certaine indépendance sur son travail hors du Mexique.

Après deux expériences américaines successives où Alfonso Cuarón y trouvera difficilement son compte, la faute à un manque de libertés assez évidentes, le cinéaste décide, en attendant d'avoir une popularité plus prestigieuse, de rentrer dans son pays natal pour y tourner à nouveau des films. Il n'attendra pas bien longtemps avant que Hollywood lui ouvre de nouveau ses portes, cette fois en s'inclinant, car dès la sortie de Y Tu Mamá También, Cuarón trouvera une qualité filmique globale qu'il n'avait pas atteinte jusque là, de même que le succès public. Un premier grand film donc, certes imparfait mais qui posait définitivement les thématiques et bases visuelles d'un réalisateur qui, jusqu'ici se cherchait plus qu'autre chose. Ainsi, on se retrouve donc avec un road-movie d'apparence classique, où le voyage n'est finalement qu'un prétexte pour lancer un sous-texte, et Cuarón en profite donc pour livrer une première grande œuvre sur la vie, la mort, les hommes, les relations entre eux, et l'éphémérité de toute choses. Alors certes, la façon dont le message est transmis est loin d'être ce qu'il y a de plus subtil en terme d'approche (on a donc une voix-off très présente qui pourra énerver par moment, malgré la pertinence de ce qu'elle raconte) mais le propos est bien là, et d'autant plus efficace qu'il est créé à travers un trio assez atypique : deux jeunes hommes très complices (au point que l'allusion homosexuelle est plusieurs fois frôlée avant un plan fatidique qui ne laisse plus de place au doute), obsédés par le sexe et qui ont tout à découvrir de la vie, et enfin une femme dont la vie s'écroule peu à peu et dont les raisons ne seront expliquées que dans un ultime dialogue. Un trio original donc qui a clairement le mérite de transformer le film (un road-movie au propos ambitieux) en une aventure drôle et sexy, le tout via des séquences dialoguées très efficaces.



En terme de structure, le film fonctionne parfaitement là où, souvent, les road-movie ont tendance à s'étendre un peu trop. Pas d'ennui donc, malgré le fait qu'il y ait finalement peu de rebondissements. Là où le film de Cuarón se distingue particulièrement dans l'évolution de sa filmographie, c'est davantage dans l'expression de la mise en scène. On se retrouve donc avec l'opposé total de ses tentatives hollywoodiennes, avec une caméra à l'épaule constante (sans pour autant tomber dans le syndrome shakycam) et de nombreux plan-séquences qui permettent de laisser une grande liberté aux acteurs tout en favorisant l'immersion poétique. Autant dire donc que Cuarón renaissait totalement avec ce film, se trouvant totalement sur la forme et le fond, et cela se vérifie encore via l'excellente direction d'acteur, Maribel Verdu trouvant le rôle de sa vie, pendant que Gael Garcia Bernal et Diego Luna se révélaient définitivement aux spectateurs du monde entier. Malgré ses quelques imperfections, Y Tu Mamá También s'impose encore aujourd'hui comme ce qu'il est : à la fois un grand film et la naissance d'un cinéaste particulièrement doué.