[Olrik] Eiga fan wa tsurai yo ! 2026

[Olrik]

Sad Vacation
Shinji aoyama - 2007

Un film qui a tout de la curiosité dans la filmographie d’Aoyama. Il est vu comme le troisième volet d’une trilogie (la trilogie « Kitakyushu ») en ce qu’il utilise des personnages rencontrés dans Helpless et Eureka. Et pas des moindres : celui de Tadanobu Asano dans le premier, celui d’Aoi Miyazaki dans le deuxième (la fille traumatisée par la prise d’otages inaugurale dans le bus). Faut-il donc avoir vu ces films avant de s’engager dans Sad Vacation ? C’est préférable, même si j’ai le sentiment qu’un spectateur amateur de films indépendants japonais et qui ne les aurait pas vus pourrait y trouver son plaisir.

Inversement, celui qui connaîtrait Eureka risquerait de tomber de haut, tant ce que propose cette fois-ci Aoyama est éloigné de la majesté tragique en sépia que proposait son chef-d’œuvre de 3H40. Dans tous les cas, on retrouve les thèmes de la fracture psychologique et de la famille (souvent recomposée), ici symbolisée par une petite entreprise de transports routiers dans laquelle vont échouer pour différentes raisons Kenji (Tadanobu Asano) et Kozue (Aoi Miyazaki). Kenji découvre que l’épouse de son patron est en réalité Chiyoko (jouée par Eri Ishida, toujours fort belle à 47 ans), sa propre mère qui autrefois avait quitté le foyer familial sans crier gare). Pas rancunier, il accepte sa proposition de loger dorénavant chez elle, ce qui lui permettra de faire la connaissance de Yusuke, son demi-frère qui a tout du voyou en devenir. Ajoutons aussi la présence de Joe Odagiri dans le rôle d’un employé, et l’on comprendra qu’Aoyama a pu se concocter un casting très sympathique pour cet ultime volet. C’est le principal intérêt car pour le reste, si je n’ai pas non plus détesté, il m’a été parfois difficile d’apprécier les relations entre les personnages tant elles m’ont semblé esquissées, un rien brouillonnes, à l’image du retour à la fin de deux personnages issus d’Eureka, retour dont je n’ai pas saisi l’intérêt.

Bref, une conclusion sympathique à la trilogie, mais forcément déceptive par rapport à Eureka. Si au moins Aoyama avait encore utilisé du Jim O’Rourke dans sa B.O., je ne dis pas. Mais non, il faut se contenter d’un morceau bien peu marquant de Johnny Thunders…

[Olrik]

La Grande Sauterelle
Georges Lautner - 1967

En fait, en voyant hier Des Pissenlits par la racine, je ne connaissais pas mon bonheur. Parce qu'en comparaison, La Grande Sauterelle a tout de la catastrophe. Tout sonne faux dans ce film.
D'abord le côté film de gangsters. Ça commence bien mal avec Maurice Biraud que j'ai toujours trouvé irritant et limité dans ses postures de malfrats audiardesques. Quant à l'histoire du braquage de milliardaire, franchement, dès le début on sent qu'on va avoir du mal à se passionner pour l'affaire.
Même chose pour l'espect sentimental. C'est pourtant un vieil ingrédient qui a fait ses preuves. La femme fatale qui arrive et qui fait tout foirer. Encore faut-il qu'on y croie, et là, je dois dire que le couple Kruger/Darc m'a là aussi laissé froid. Lautner aurait encore joué la carte de l'érotisme, mais non, ça reste sage, presque mièvre. C'est bien simple, un James Bond de la même époque, en comparaison, c'est un peu comme voir un porno avec Désirée Cousteau. Ici, la sensualité est aussi plate que la poitrine de Mireille.
D'ailleurs, en parlant de Bond, l'exotisme n'a rien de glamour non plus. Pensez, Beyrouth, ça envoie du rêve ! On se retrouve donc dans un casino décoré à la truelle, avec des clients pour lesquels porter des bijoux en toc ou fumer de gros havanes suffit pour avoir l'air chic. Si l'on ajoute l'accent allemand de Kruger (ça peut pourtant avoir du charme, un accent, mais là, non) et une tambouille musicale "composée" par Bernerd Gérard (un peu lassantes aussi, les citations musicales lautnériennes de rock/pop hystérico-psychédéliques : c'était marrant dans Les Tontons, mais il aurait peut-être fallu tourner la page), on a très vite le coeur qui se lève, avec une envie de prendre le premier avion venu pour quitter le Liban. Me concernant, ça a surtout consisté à appuyer sur la touche "avance rapide".

[pabelbaba]

Ce truc c'est juste un film de potes en vacances payées par Gaumont. Mais je l'aime bien.

J'écoute encore fréquemment le thème principal d'ailleurs

[Olrik]

Oui, le générique a un petit côté Morricone qui permettait d'envisager la suite avec bienveillance.
Mais non, rien à faire, la paire Kruger/Biraud associée aux dialogues d'Audiard a eu vite fait d'entamer ma patience.
De toute façon Audiard, plus je vieillis, plus c'est maintenant une chance sur deux que ça me plaise.

[Alegas]

Les Contes d'Hoffmann
Michael Powell et Emeric Pressburger - 1951

Suite des aventures opératiques de Powell et Pressburger avec leur adaptation des Contes d’Hoffmann d’Offenbach (mais en anglais, pas en français). Le cinéma va donc fusionner avec l’opéra et même plus que ça puisque, comme on était en bonne compagnie avec Moira Shearer et tous les autres danseurs des Chaussons Rouges, les deux réalisateurs vont récidiver en intégrant de généreuses parties de ballet.

Le résultat ? Somptueux. Ce qui frappe, c’est la profusion de détails. Détails dans les costumes, les décors, les cadrages. C’est bourré d’inventivité, le but étant d’en donner au spectateur pour son argent et peut-être de permettre à l’amateur d’opéra une expérience nouvelle, celle d’oublier la distance entre lui et la scène pour se fondre à l’intérieur de celle-ci par la magie du cinéma. Mais est-ce pour autant supérieur aux Chaussons Rouges ? Tout dépendra de ce que l’on attend de ces deux spectacles.

En ce qui me concerne, j’ai trouvé que la générosité des Contes d’Hoffmann finit par devenir un défaut. Oui, c’est beau, c’est inventif, c’est virevoltant mais, à la longue, ça en devient épuisant. À l’inverse, les fameuses dix-sept minutes centrales des Chaussons Rouges apparaissent comme le glorieux joyau au milieu d’un écrin narratif qui permet de construire les personnages. On est estomaqué par ces dix-sept minutes et, l’émotion passée, on retourne avec plaisir dans un flux plus cinématographique afin d’apprécier les conséquences du morceau de bravoure dans la vie des personnages.

En fait, il y a dans Les Contes d’Hoffmann un peu de ce « défaut de perspective » que Flaubert pointait dans son Education sentimentale, aspect dont sont dénués Les Chaussons Rouges où l’on a un contraste esthétique (représentation du réel VS représentation stylisée d’un ballet), un développement psychologique des personnage et deux climax narratifs.

Alors bien sûr, si l’on fait abstraction des Chaussons Rouges et que l’on s’en tient à la simple représentation d’un opéra célèbre, le grief est moins pertinent. Mais quand même… comparé à des représentations modernes qui permettent d’amener un spectateur au plus près de la scène, je me demande si l’ensemble ne pâtit pas de sa propre profusion. Dans tous les cas, c’est une approche novatrice et réussie dans sa beauté plastique. A mettre sur le même plan que Fantasia, dans cette volonté de réinventer un art majeur par le cinéma.

6/10

[Olrik]

A Class to remember
Yôji Yamada - 1993

Filmographie yamadesque 68/91

Yôji Yamada avait déjà abordé, dans l’épisode 26 de Tora-san, ces cours du soir destinés à des personnes (jeunes adultes ou seniors) n’ayant pas eu la possibilité de s’intégrer dans un système éducatif rigide et obnubilé par « l’enfer des examens ». Persuadé de l’utilité de ce système parallèle (et à raison il me semble), il entreprend de se documenter sur la question avant de se lancer dans Gakko, sentant sans doute l'opportunité que lui donnerait cett thématique pour aborder ces questions sociales qui lui tiennent à coeur.

Ce sera le succès, le film donnant lieu à une tétralogie soit, après la saga hors normes qu’est Tora-san, la suite de films la plus longue dans sa filmographie (films à la fois réalisés et scénrisés par lui s’entend).

Franchement, j’abordais le film un peu inquiet, et ce n’est pas la musique sirupeuse à base de flûte de pan qui allait me rassurer. Je craignais particulièrement la prestation de Toshiyuki Nishida, acteur dont la prestation enjouée et ahurie dans Tsuri Baka m’avait irrité. Mais là, je fais comme les élèves du film, je revois ma copie. L’acteur n’en fait pas des caisses, il joue juste un professeur humain et bonhomme, et cela suffit à le rendre attachant. Alors certes, si l’on a en tête un certain Kiyoshi Atsumi que l’on imagine parfaitement dans le rôle, on est déçu. Plusieurs fois je me suis imaginé l’acteur en train débiter les répliques à la place de Nishida, sûr que ça aurait été un amusement de tous les instants — d’ailleurs, le seul moment du film où j’ai ri franchement est lié à l’apparition d’Atsumi le temps d’un caméo d’une minute. Mais si on oublie cette idée, force est de constater que Nishida joue très bien sa prestation et qu’il donne envie de revoir son personnage dans Gakko II.

Après, çe ne l’empêche pas de se voir voler la vedette par Kunie Tanaka, prodigieux dans le rôle d’Inio-san, quinquagénaire éclopé qui décide de faire fonctionner ses vieilles méninges dans les cours du soir, et qui se risque même à faire une demande en mariage à l’une des professeurs, alors qu’il a l’âge d’être son père. L4acteur m’avait déjà marqué dans Musuko, avec son personnage de vieil ouvrier acariâtre. Là, il est particulièrement touchant et illumine à lui seul toute la deuxième moitié du film.

Si j’étais un peu circonspect dans la première moitié, ayant du mal à m’attacher aux différents personnages, tout change en effet quand Kuro-san (le prof joué par Nishida) apprend à sa classe que le bon Inio-san ne viendra plus, tout simplement parce qu’il est mort. À partir de ce moment, des flashbacks mémoriels vont jaillir, permettant de donner plus de densité aux différents êtres et à leurs relations, avec à la clé de très belles scènes, comme celle où Inio passe un temps fou à écrire (à la règle !) une carte de demande en mariage à sa professeur, ou bien celle où, apprenant dans un bar par Kuro-san que cette demande est bien entendu impossible, il se met à avoir le vin mauvais et à faire un esclandre, avant d’être corrigé par la tenancière, une vieille immigré d’origine coréenne qui participe aussi aux cours du soir. On est dans l’humain façon Yamada, avec de la joie, de la colère, de la contrition et plein d’autres sentiments encore. Sans doute moins marquant que certains de ses chefs d’œuvre, mais assez pour avoir envie de le revoir un jour. Le genre de film qui peut se bonifier au fil des ans.

[Mark Chopper]

Bordel, je suis passé complètement à côté ? Etais-je trop fatigué pour lâcher l'affaire vers la moitié ?

EDIT : Je te vois avancer dans la filmo de Yamada... Je te conseille vraiment de ne regarder le premier The Rainbow Seeker qu'après le 48ème Tora-san (c'est un peu le 49ème épisode officieux).

[Olrik]

EDIT : Je te vois avancer dans la filmo de Yamada... Je te conseille vraiment de ne regarder le premier The Rainbow Seeker qu'après le 48ème Tora-san (c'est un peu le 49ème épisode officieux).

Okay, je note. Là, j'ai fait la jonction entre la saga tora-san et les films hors tora-san. J'essaierai de mater la tétralogie Gakko et les trois tora qu'il me reste avant de voir Rainbow Seeker.

Sinon oui, tu as peut-être gaffé en t'arrêtant à la première moitié de Gakko. Vraiment, le film devient chouette dès que Kunie Tanaka est mis en avant (énorme filmo par ailleurs : plus de 250 films).

[Mark Chopper]

Il joue d'ailleurs dans The Rainbow Seeker et Nishida l'imite vachement bien

Et au-delà des films, il est très connu pour la série Kita no Kuni kara que je pense mater un jour... série dans laquelle joue Hidetaka Yoshioka (tout est lié).

[Olrik]

Et au-delà des films, il est très connu pour la série Kita no Kuni kara que je pense mater un jour... série dans laquelle joue Hidetaka Yoshioka (tout est lié).

Effectivement, je suis allé jeter un oeil, ça a l'air sympa, surtout avec le cadre d'Hokkaido. Y'a même Ayumi Ishida qui joue dedans...
Par contre la qualité des rips pique un peu, même pour du 1080p, pas de miracle pour les images video. Mais ouais, un ou deux épisodes, pour voir, ça se tente.