[Alegas] Mes Critiques en 2025

[Alegas]

Effectivement elle accompagne très bien le film. Ça manque peut-être d'un thème un peu plus marquant pour totalement me convaincre (genre j'ai pas vraiment la ritournelle en tête après vision), mais elle fait carrément le taf.

[Kakemono]

Desire (Désir) de Frank Borzage
(1936)

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7/10

J'ai peut être un poil surnoté dans ma critique avec mon 9 mais je garde un super souvenir de ce film bien écrit, drôle, fun et rythmé.

[Alegas]

A Goofy Movie (Dingo et Max) de Kevin Lima
(1995)

J’annonce d’entrée un léger surnotage sur celui-ci : le revoir me replonge immédiatement en enfance, étant donné que c’était une VHS qui tournait un max dans le magnétoscope à l’époque. Pourtant, c’est peu dire que cette production ne paye pas de mine au premier abord, on pourrait même la confondre avec bon nombre de films cheap réalisés par Disney à la même époque pour du direct to video, mais en réalité c’est vraiment un chouette film, qu’on sent fait avec amour par une équipe qui avait tout à prouver. Car pour rappel, on est loin d’être devant un film d’animation sur lequel Disney a tout donné, on pourrait même dire que c’était un projet plus que secondaire pour eux, et pendant que le top du top des animateurs bossaient sur The Lion King, il y avait ce petit projet, tiré d’une série TV, qui a fini par être conçu majoritairement dans la branche française de Disney (qui n’existe malheureusement plus aujourd’hui). Cette branche française, c’était son premier gros projet à date, celui qui lui permettrait de montrer son savoir-faire, et d’ailleurs le pari a été réussi car ensuite les équipes ont eu le feu vert pour bosser en partie sur d’autres très gros projets de Disney (le réal sera même en charge de Tarzan quelques années plus tard), et ce jusqu’à la fin du développement de l’animation 2D au sein du studio.

Bref, c’est loin d’être un film conçu à l’arrache, et pourtant dieu sait que ça aurait pu car bon un film Dingo voilà quoi , et surtout on sent à plusieurs reprises que le budget devait être serré et qu’il a fallu jouer l’économie à de nombreuses reprises. Pour autant, ça se regarde encore très bien, c’est certes moins foisonnant que les grosses prods Disney des années 90, surtout du côté des décors, mais l’animation des personnages marche super bien et c’est bien le plus important. Côté script, c’est peut-être la plus grosse surprise du film : ça aurait pu être un pur produit opportuniste qui se contente d’utiliser Dingo à des fins humoristiques, et finalement on se retrouve non seulement devant un film où c’est en réalité son fils le personnage principal, mais en plus c’est avant tout l’histoire entre un père et son fils qui n’arrivent plus à créer un lien, et qui vont devoir réapprendre à le faire lors de vacances improvisées. Autant dire que ça surprend, surtout que c’est plutôt efficace dans la façon d’expliquer la crise de l’adolescence dans un film pour enfants, et j’ai même envie de dire que la relation est tellement bien écrite que ça arrive souvent à être touchant, alors que merde quoi, on parle de Dingo à la base !

C’est peut-être la nostalgie qui parle, mais il y a un paquet de séquences qui, sans être du niveau des meilleurs Disney, déchirent quand même bien : les danses inspirées par Michael Jackson, la chanson sur l’autoroute, Dingo qui flippe que son fils prenne un mauvais tournant et devienne un voyou, la découverte de la carte, autant de séquences qui sont restées imprimées dans ma mémoire alors que je ne l’avais pas revu depuis un bon paquet d’années, et qui arrivent toujours à créer l’effet voulu. Le petit point noir qui vient ternir le tableau, c’est peut-être les paroles pas super inspirées, peut-être que c’est mieux en VO d’ailleurs mais j’avoue que j’ai vraiment une grande tendresse pour cette VF. Tout ça donne un film qui cache bien son jeu, dommage que Disney semble ne pas capter que le film a une réelle fanbase, car à côté de ça le film n’est sorti que dans un dvd pourrave, et le blu-ray américain n’a été vendu que via la boutique officielle de Disney. Le film mériterait clairement mieux.

7,5/10

[Alegas]

While the city sleeps (La cinquième victime) de Fritz Lang
(1956)

Petite déception pour le coup car même si la fin de carrière américaine de Fritz Lang n’est clairement pas sa meilleure, j’avais quand même été plutôt convaincu par Beyond a reasonnable doubt, et du coup j'espérais quelque chose à peu près du même niveau. Déjà, j’ai été plutôt surpris de constater que malgré les apparences, on n’est pas vraiment en face d’un film noir. Ok il y a un meurtre dès les premières minutes, et ok il y a plusieurs femmes fatales, mais pour le reste on est plutôt devant un petit film d’investigation tendance journalistique, ce qui change pas mal la donne du sujet et son traitement. Car au final, ce n’est pas tant le meurtre ou le meurtrier qui intéresse ici Lang (d’ailleurs, l’identité du tueur est donnée dès les premiers plans, et on ne le voit finalement que très peu sur l’ensemble du métrage), mais plutôt toute la petite guerre qui va se jouer au sein d’une entreprise journalistique, avec un jeune patron fraîchement arrivé qui organise une compétition au sein des directeurs des différents services de sa boîte, promettant un meilleur poste à celui qui arrivera à terminer l’affaire des meurtres en beauté.

Du coup, tout le film est plus un jeu de faux-semblants entre ces différents personnages, certains indiquant clairement leur intention de gagner à tout prix, d’autres feignant l’indifférence pendant qu’ils tirent d’autres ficelles en coulisses, et parmi eux un présentateur qui va carrément provoquer le tueur en direct à la télévision. Ça donne un film assez étrange car même s’il y a un côté jouissif de voir tout ce beau monde se mettre sur la tronche pour une simple promotion (et ça va quand même loin, l’un des participants essayant même d’influencer son boss via sa femme avec qui il entretient une relation extraconjugale), on a quand même du mal à comprendre ce qu’essaye de dire Lang à travers ce film au-delà de la critique habituelle de la presse. Pour le coup, par rapport à d’autres films avec un contexte similaire, genre le Park Row de Fuller, je trouve que ça manque clairement de quelque chose pour rendre l’ensemble prenant. Le rythme est inégal (la première demi-heure j’ai clairement eu du mal à accrocher), Lang est formellement en retrait sur la totalité du film à quelques plans près, il y a quelques invraisemblances (pas compris par quel hasard la dernière victime du tueur, qui est la femme infidèle, se retrouve être la voisine de palier de la copine du présentateur, ça paraît hyper gros ) et les personnages n’ont pas ce qu’il faut en termes d’écriture pour qu’on s’attache à eux, ils restent globalement des personnages très fonctionnels.

Du coup, les qualités du métrage vont plus se trouver dans la façon de gérer les personnages féminins forts (en particulier Ida Lupino), dans l’humour, ou dans une course-poursuite dans les tunnels du métro (malheureusement trop courtes, Lang n’as pas assez de temps pour bien exploiter le lieu). Sinon, je noterais la présence de la craquante Sally Forrest avec ses cheveux courts , on sent que Lang aime bien ce personnage vu qu’il y a beaucoup d’érotisme sous-jacent dans les dialogues et situations (la nuisette “trop transparente” montrée à la fin ). Bref, dans la fin de carrière US de Lang, c’est quand même mieux que Moonfleet, mais encore une fois je préfère nettement celui qu’il signera quelques mois plus tard, et qui lui ressemble plus.

5,5/10

[Alegas]

The Bling Ring de Sofia Coppola
(2013)

Oh bordel quelle grosse merde que voilà . Je l’avais évité en salle à l’époque car Somewhere m’avait déjà montré que Coppola fille partait dans une direction que je n’appréciais pas trop, et ça se confirme avec cette découverte sur le tard. Alors clairement, en ce qui me concerne, c’est le pire film de la réalisatrice, et de très loin, et j’ai franchement bien du mal à comprendre les bonnes reviews sur celui-ci car c’est vraiment détestable en tout point, ne serait-ce que pour son traitement du sujet qui crée quelque chose de hautement paradoxal.

Déjà, on sent qu’il va y avoir un problème dès le générique de début, où il est indiqué que le script est inspiré d’un article de Vanity Fair, ça pose le niveau direct . L’histoire, concrètement, c’est juste des adolescents bourgeois de L.A. qui s’emmerdent, et qui vont passer le temps en allant cambrioler des villas de stars, d’abord juste pour le fun, mais peu à peu pour voler des fringues de luxe, et entretenir leur aura auprès de leurs potes parce que oui, apparemment, voler les chaussures de Paris Hilton ça crée une popularité auprès de certaines personnes . Ces personnages, ce sont des coquilles vides qui pourraient être la superficialité incarnée, et à partir de là on sent que Coppola a énormément de mal à créer une dynamique sur son film car d’un côté elle semble critiquer cette superficialité (les personnages qui sont potes mais qui se chient les uns sur les autres dès que la justice arrive, mention spéciale à celui d’Emma Watson qui est une garce en puissance), mais de l’autre elle l’épouse complètement en termes d’imagerie, de style, et de bande-son, et du coup elle s’enferme elle-même dans ce qu’elle dénonce.

Ça donne un ensemble vraiment insupportable de bout en bout, bourré d’effets clinquants, qui semble durer trois plombes alors que c’est plutôt court, et surtout c’est dingue de constater à quel point ça ne raconte rien, le film étant juste une succession de scénettes cambriolages/vie de famille/virée en boîte de nuit. Il y avait sûrement quelque chose à jouer du côté des personnages, mais en l’état c’est une écriture tout ce qu’il y a de plus simpliste, aucun d’entre eux n’a un véritable arc narratif ou évolution, du coup c’est vraiment juste des têtes à claques du début jusqu’à la fin. Si on ajoute à ça le fait que le film est formellement inintéressant, avec caméra épaule tout le long et photographie très plate, et que c’était l’époque où Sofia Coppola se sentait obligé de faire figurer son carnet d’adresses au sein de ses films, autant dire que ça ne relève pas le niveau. Un film qui arrive à être l’opposé absolu de ce qu’il voudrait faire, un sommet de vacuité qui ne propose même pas un regard intéressant sur une génération en perdition, difficile de croire que c’est réalisé par la même personne qui, une décennie plus tôt, livrait une bobine comme Virgin Suicides (dont je ne suis pas complètement fan, mais qui arrivait à créer quelque chose qui se tenait).

0/10

[Alegas]

Mission : Impossible - The Final Reckoning de Christopher McQuarrie
(2025)

Il en aura eu une production bien compliquée ce dernier opus. Entre le tournage back to back initialement prévu et qui n’avait pas été permis à cause du COVID, et la réception en demi-teinte de Dead Reckoning qui a poussé Cruise et McQuarrie à revoir leur copie, la fabrication de ce huitième film a été sacrément chaotique et malheureusement ça se ressent pas mal sur le résultat final. Alors bon, histoire de clarifier d’entrée, j’apprécie tout de même le spectacle, d’autant que ça joue vraiment la carte du grand final, et ayant un rapport très fort avec la saga (dont j’aime finalement chacun des films, quand bien même certains sont nettement moins bons) ça me fait bien plus vibrer qu’un blockbuster lambda.

Par contre, et toujours en rapport avec cette histoire de grand final, le film n’est pas aussi bon qu’il souhaiterait l’être. On sent une volonté d’être la conclusion ultime d’une saga qui aura durée trois décennies, et autant il y a quelques séquences qui marquent indéniablement la rétine, autant dans l’ensemble on sent quand même un métrage qui aurait mérité d’être plus concis, plus épuré, et qui souffre de la réception du film précédent. Bref, on est pas sur un film au niveau du pinacle de la saga (Ghost Protocol/Rogue Nation/Fallout) et c’est bien dommage car à mon sens il y avait matière à atteindre ce level. Concrètement, le film est la suite quasi directe du précédent, avec l’Entité qui s’apprête à contrôler les puissances de frappe nucléaires, et l’équipe de l’IMF qui reste le seul espoir de la détruire puisque en possession de la clé qui permettrait d’atteindre son code source.

Bon déjà j’avoue que le tout début décontenance un peu avec le fait que ça se passe quelques semaines plus tard et qu’on a des gros changements de situations, entre Gabriel (qui est toujours un bad guy pas terrible) désavoué par l’IA, le monde entier qui est dans une sorte d’état d’urgence, l’ancienne directrice de la CIA qui est devenue Présidente, Luther devenu à priori malade en phase terminale, ça fait mine de rien beaucoup d’éléments à introduire. Et ça, ça n’aide pas beaucoup un film qui, sur sa première heure, n’est quasiment que de l’exposition. Le fait que ce ne soit plus considéré comme une Part 2, mais comme un film à part entière, fait que McQuarrie répète inlassablement les enjeux du précédent film (qui était déjà pas mal en termes d’exposition lui aussi), et doit en rajouter encore une couche avec toutes les nouvelles informations. Entre ça, le montage qui fait des inutiles retours en arrière incessants, et la foire aux flashbacks (franchement ça pourrait être fun de faire une compilation de la totalité des extraits des précédents épisodes, car à mon avis on est pas loin de cinq minutes entières qui ne sont que ça ), la première heure est franchement pénible à suivre, et il faut attendre le moment où Hunt est lâché par la Présidente pour que ça décolle enfin.

A partir de là, on a enfin l’impression de revoir un bon M:I, en particulier sur deux scènes qui sont clairement les deux gros morceaux de bravoure du métrage et qui valent à elles seules le prix du ticket : le passage dans le sous-marin évidemment qui est un gros morceau de tension muette, mais aussi le climax final tant vendu par la promo, avec des cascades de dingues qui ont dû être un calvaire à tourner. Ces deux séquences arrivent clairement à être pas loin de ce que McQuarrie a fait de mieux sur la franchise, et c’est donc dommage de constater qu’autour c’est nettement plus à la traîne. Car mine de rien, le point commun des meilleurs épisodes de la saga, c’était quand il y avait un vrai équilibre sur la constitution de l’équipe, sur le temps de présence à l’écran de chacun. Là, pour la première fois depuis le troisième opus, on retombe un peu trop dans les travers du Cruise show : Ethan Hunt est célébré du début jusqu’à la fin comme le seul homme capable de sauver l’humanité, le film se concentre en majorité sur lui, et le reste de l’équipe a bien du mal à exister (plusieurs seconds rôles n’ont pas grand chose à se mettre sous la dent) malgré une volonté évidente de McQuarrie de leur laisser tout de même des parts avec quelques séquences d’action en montage alterné.

Du coup, il y a une alchimie qui se perd par rapport aux opus précédents, et d’autant plus que cet épisode se la joue compilation ultime de la saga et décide, très curieusement, de se lier avec quasiment chacun des épisodes existants façon Fast & Furious. Entre le retour de la victime du braquage de la CIA du premier film, la fameuse “patte de lapin” expliquée (c'est con, c'était l'une des seules très bonne idées de l'opus d'Abrams de ne pas savoir ce que c'était), et la découverte du fils de Jim Phelps , ça donne un côté gloubiboulga à un film qui, paradoxalement, souhaite n’exister que pour lui-même, mais qui dépend finalement beaucoup d’une certaine connaissance des épisodes de la saga. Bref, ça en fait des défauts, et c’est à mon sens le moins bon épisode M:I depuis une vingtaine d’années, mais à côté de ça, préférant voir le verre à moitié plein, je ne peux pas bouder un pur plaisir de spectateur et de fan de la saga. Autant la première heure est pas loin d’être un calvaire, autant le reste du film, malgré les écueils, est particulièrement réjouissante, d’autant que c’est techniquement très bien mené par un McQuarrie en pleine possession de ses moyens (à défaut de l’être narrativement), le genre de blockbuster inégal qui est tout de même un gros plaisir à voir en salle.

6,5/10

[Alegas]

All fall down (L'ange de la violence) de John Frankenheimer
(1962)

1962 est une année chargée et charnière pour Frankenheimer, puisqu’il va sortir pas moins de trois films, dont deux sont devenus des classiques qui ont marqué sa carrière : Birdman of Alcatraz et The manchurian candidate. Du coup, face à ceux deux mastodontes, on comprend aisément pourquoi le premier des trois, All fall down, ait été éclipsé et soit devenu aujourd’hui plus une curiosité qu’autre chose, mais j’ai envie de dire que ça vient aussi très probablement de la qualité même du métrage, car on est loin d’être devant une pépite oubliée.

Déjà, zappons le titre français hors propos qui semble vendre un polar, alors qu’on est clairement devant un drame familial dans la lignée d’autres productions de l’époque. Car difficile, en découvrant le film, de ne pas penser à une sorte de copie de ce qu’on pouvait avoir quelques années auparavant avec certaines bobines ayant James Dean en lead, d’ailleurs le look de Warren Beatty dans celui-ci (l’un de ses premiers rôles) ne fait pas trop de doutes concernant la filiation. On sent le film qui, un peu comme le précédent métrage de Frankenheimer, veut dresser le portrait d’une jeunesse américaine, sauf qu’ici ce n’est pas spécialement convaincant, la faute en particulier à un script particulièrement prévisible. La relation fraternelle dont on capte direct la direction (le petit frère, d’abord totalement admiratif de son frangin, va déchanter de plus en plus), le sort du personnage d’Eva Marie Saint qui ne fait aucun doute possible, les personnages des parents qui sont des clichés ambulants entre le père alcoolique mais sympathique, et la mère possessive (jouée par une Angela Lansbury qui, curieusement, jouera un rôle assez similaire dans The manchurian candidate), autant d’éléments qui font qu’on a sans cesse l’impression de voir un film qui ne dévie jamais des rails sur lesquels il est posé, ce qui fait qu’il y a zéro surprises dans le déroulé du récit.

Ce n'est pas aidé par le fait d’avoir un acteur principal qui manque clairement d’incarnation, et autant ce jeune comédien faisait le job dans Shane (le gamin, c’était lui), autant là il manque vraiment de consistance alors que c’est censé être le personnage auquel on devrait s’attacher le plus. Heureusement que la mise en scène de Frankenheimer est là pour remonter le niveau, car même si ça n’a formellement rien à voir avec les deux autres bobines que le réalisateur sortira cette année, on a quand même un savoir-faire technique indéniable, entre un noir et blanc travaillé, et quelques idées de plans ou de montage (je pense notamment à un rapprochement en trois cuts du visage d’un acteur) qui font la différence. En l’état, c’est un drame qui loupe une grande partie de ses objectifs, notamment sur l’écriture et l’impact émotionnel, mais il y a quand même assez de beaux restes pour que ça se regarde sans trop s’emmerder.

5/10

[Alegas]

Le château de ma mère de Yves Robert
(1990)

Concrètement, je pourrais à peu de choses près copier/coller ma critique de La gloire de mon père pour ce second film, tant on y retrouve les mêmes qualités, mais ça ce n’est guère étonnant étant donné que les deux bobines ont été tournées en même temps. Pour le coup, c’est une suite vraiment directe, vu que ça reprend exactement à la fin du fameux été où le petit Marcel Pagnol découvre la nature provençale, on rentre clairement en terrain connu si on a vu peu de temps avant le premier opus. Là où Le château de ma mère est étonnant, c’est dans le fait qu’il est encore plus resserré narrativement parlant puisqu’ici le centre de l’histoire se trouve d'abord dans la relation entre Marcel et une jeune bourgeoise de son âge, puis dans un trajet récurrent que la petite famille va faire chaque week-end, le long d’un chemin qu’ils ne sont pas censé emprunter, mais qui leur fait gagner à chaque fois plusieurs heures de marche.

Bref, c’est clairement pas de la grosse intrigue, et encore plus que le précédent c’est vraiment de la tranche de vie tout ce qu’il y a de plus simple, mais ça fonctionne pour toutes les qualités déjà évoquées pour le premier film. Les personnages sont simples et attachants, les nouveaux venus apportent une bonne humeur évidente (particulièrement celui de Philippe Uchan, dont j’adore le dialogue avec le père pour le convaincre d’utiliser le chemin du canal) et l’humour est toujours aussi présent (Rochefort dans un rôle truculent, le père qui insiste sur la discrétion à chaque passage devant le château, etc...). A la limite, si je devais chipoter, je dirais que ça a globalement moins de densité que le premier volet, mais c’est sans compter sur la toute fin qui est d’une telle beauté que ça vient faire pardonner ce défaut. Entre la scène du repas en famille, l’annonce des futurs disparus et la séquence finale avec la mention de la mère, ce sont vraiment dix dernières minutes absolument sublimes qui achèvent en beauté ce diptyque indéniablement plaisant.

"Telle est la vie des hommes. Quelques joies, très vite effacées par d’inoubliables chagrins. Il n’est pas nécessaire de le dire aux enfants."

7,5/10

[Alegas]

L'enfant d'en haut de Ursula Meier
(2012)

C’était pas fou, globalement j’ai eu l’impression de regarder le petit drame français typique, avec tout ce que ça comporte de clichés formels et narratifs. Pourtant, le postulat de départ m’a plutôt surpris car malgré le fait qu’on ait Léa Seydoux en tête d’affiche, elle est loin d’avoir le rôle principal, et du coup le film se concentre plus sur le quotidien d’un jeune garçon livré à lui-même, et qui vole régulièrement des équipements de ski dans la station près de chez lui, afin de les revendre et avoir de quoi subsister.

C’est pas complètement déplaisant à suivre, mais le manque d’intrigue fait qu’à un moment on a plus l’impression de regarder une suite de scénettes plus qu’autre chose, d’autant que les rapports entre personnages ne sont pas spécialement ce qu’il y a de plus travaillé. Il y a bien le drame familial qui vient ajouter un peu de densité, notamment via un twist en milieu de film, mais là encore c’est trop peu pour réellement faire décoller l’ensemble, et on reste encore dans le stéréotype du drame un peu dépressif, et qui cache son manque d’ambition par une tendance naturaliste. Encore une fois, ça se regarde, notamment parce que le casting est impliqué, surtout le gamin qui porte le film sur ses épaules, mais à l’arrivée il n’y a rien de bien marquant. Bref, outre le contexte un peu original, j’ai l’impression d’avoir vu ce film des dizaines de fois auparavant.

5,5/10

[Alegas]

Unsane (Paranoïa) de Steven Soderbergh
(2018)

Typiquement le genre de film de Soderbergh qui ne me donnait pas spécialement envie de me déplacer en salle pour le voir, mais qui me créait assez de curiosité pour le rattraper par la suite à la maison, et à vrai dire ce n’est pas plus mal car c’est sympathique sans être particulièrement mémorable. Sur un pitch pas très original sur le papier (une femme saine d’esprit va se retrouver malgré elle patiente d’un hôpital psychiatrique, et évidemment à chaque fois qu’elle va dire qu’elle n’est pas folle, les employés vont être persuadés du contraire), Soderbergh va peu à peu se diriger vers un jeu du chat et de la souris, puisqu’il s’avère que l’un des gardiens est un psychopathe qui stalke l’héroïne depuis des années, et forcément avec la nana en position de faiblesse ça crée une histoire plutôt stimulante.

Dommage du coup que, pendant le parcours, Soderbergh semble ne pas mesurer le potentiel qu’il a entre les mains, et exploite finalement assez peu certains éléments de l’histoire qui auraient pu rendre le film encore plus ludique : il y a finalement assez peu d’ambiguïté sur le fait que l’héroïne est folle ou non, et j’avoue que je n’aurais pas craché sur des actions plus perverses de la part du bad guy qui ne se lâche complètement que dans le tout dernier quart du film. Ceci dit, ça se regarde quand même bien, c’est assez cruel envers ses personnages (il y a deux morts d’innocents que je n’ai pas vu venir), et comme d'habitude Soderbergh applique une forme non conventionnelle qui apporte un peu d’originalité, ici à grand coups de focales qui viennent déformer l’image pour retranscrire l’état mental du personnage, et d’une caméra qui prend, sur les premières minutes, un point de vue inconnu qui pose tout de suite l’effet d’une menace. Claire Foy porte la bobine sur ses épaules avec une prestation de qualité, on a Amy Irving que je n’avais pas revu dans un film depuis un quart de siècle, et Soderbergh oblige il y a Matt Damon qui vient faire coucou dans un caméo pas très intéressant. Bref, c’est vite oublié, mais ça fait le taf le temps de la séance, ce qui est déjà pas mal.

6/10

[Alegas]

Shěng gǎng qí bīng (Le bras armé de la loi) de Johnny Mak
(1984)

Chouette surprise, je savais que le film avait bonne réputation mais sinon je ne savais rien de son contenu, du coup ça a été une totale découverte. Alors forcément, c’est un film qui est plus intéressant à voir aujourd’hui quand on connaît sa place dans le cinéma de Hong Kong, car si on pense que c’est un film de la fin des années 80 ça pourrait être un polar parmi tant d’autres, mais en l’état le fait qu’il soit sorti en 1984 fait que c’est l’un métrages qui a façonné une tendance et une esthétique, et sur ce point c’est donc absolument fascinant à découvrir car on a vraiment l’impression de voir, des années avant, des images et une écriture qui évoquent déjà du Ringo Lam, du John Woo, et autres.

Le pitch est plutôt cool avec une bande de potes qui en ont marre d’être en bas de l’échelle sociale, et qui décident de rentrer illégalement à Hong Kong pour braquer une bijouterie et ensuite rentrer en Chine. Sans surprise, ça ne va pas se passer comme prévu, ça part vite en couille (un mort dans les vingt premières minutes, puis la bijouterie sous haute surveillance car… elle vient tout juste d’être braquée ) et du coup on a un récit qui est à mi-chemin entre la survie en milieu hostile (les mecs ont peu de repères et sont livrés à eux-mêmes) et l’émerveillement du groupe face à un système capitaliste qu’ils découvrent, et qui va engendrer des désillusions et des dérives. Globalement ça se suit très bien, et ce malgré quelques défauts évidents, notamment du côté de l’écriture du groupe qui n’est pas assez poussée. On a beau avoir un film de 1H40, les héros ont bien du mal à exister à l’écran, ce qui fait qu’on a du mal à s’attacher à eux, et ce n’est pas aidé par l’autre défaut du film, à savoir l’interprétation qui est particulièrement inégale (c’est chaud par moment, genre les réactions face à la mort du début, on sent que c’est du jeu d’amateur). Des défauts qui empêchent le métrage d’être au niveau d’autres classiques HK qui suivront, mais encore une fois il y a assez de qualités pour qu’on fasse abstraction.

Formellement, il y a clairement un truc, d’autant qu’on imagine que le budget n’était pas forcément très haut. Ça sent la débrouillardise, et du coup ça colle parfaitement à ce que le film raconte. Difficile d’imaginer le même récit sans ce montage très cut et cette caméra portée (beaucoup de plans tournés à l’arrache dans la rue) qui apportent une authenticité et une urgence à l’ensemble. C’est évidemment particulièrement vraie dans le climax final, une grosse fusillade qui débarque sans prévenir et qui s’avère particulièrement cruelle et tragique. Ce passage particulièrement mémorable, autant dans sa mise en scène (on dirait du Tsui Hark avant l’heure) que dans l’environnement dans lequel il se déroule (la citadelle de Kowloon, autant dire que ça a de la gueule, surtout que le réal utilise intelligemment le côté labyrinthique, genre le petit plan séquence avec le mec qui essaye de se trouver une issue, c'est mortel), fait qu’on termine le film sur une bonne note, et qu’on pardonne aisément les défauts précédemment évoqués. Très curieux du coup de découvrir les volets suivants.

7/10

[Alegas]

La grande bouffe de Marco Ferreri
(1973)

Dans le genre bobine à la réputation sulfureuse, elle se pose là, c’est clairement le genre de film dont les cinéphiles ont entendu parler au moins une fois sans forcément savoir de quoi ça parle. Pour le coup, difficile de mettre la réputation de côté en le découvrant, car j’ai vraiment l’impression que c’est l’essence même du projet, ce qui est d’une certaine façon sa force, mais aussi et surtout sa limite principale. Le pitch est pas mal dans le genre WTF, puisque c’est juste des bourgeois lassés de leur quotidien qui s’organisent un séjour où ils vont se mettre à bouffer et baiser jusqu’à ne plus en pouvoir, et on pige au bout d’un moment que c’est en réalité un suicide collectif qui est mis en place. Alors concrètement, pourquoi pas, d’autant que ça aboutit sur toute une critique virulente de la bourgeoise, de la superficialité de leur existence camouflée derrière de belles paroles, de la société de consommation, le souci c’est que ça tourne vite en rond et que ça paraît particulièrement vain.

Pour le coup, j’ignore dans quel état d’esprit Marco Ferreri a conçu ce film, mais franchement tout donne l’impression que c’est une bobine créée uniquement dans le but de choquer le bourgeois, et à partir de là j’ai tendance à penser que le film n’a pas grand chose à dire de plus une fois qu’on a pigé ce concept. Cela donne un film très pénible à suivre, qui paraît bien plus long qu’il ne l’est (la seconde heure, je l’ai subi) et qui finit par s’enliser dans son manque total de subtilité. Parce que bon, les thèmes évoqués plus haut c’est une chose, mais faut voir le traitement avec lequel c’est développé : c’est vraiment de la débauche gratuite à gogo, avec une bonne grosse tranche de mauvais goût par-dessus, en témoigne les séquences de pets avec Michel Piccoli, dont le personnage finit littéralement par crever en se chiant dessus. J’ai beau eu avoir l’impression de regarder un film assez unique en son genre, avec des comédiens impliqués, il n’empêche que la longueur et le traitement en mode sale gosse fier de lui a pris le dessus, et m’a souvent donné l’envie de passer le métrage en avance rapide. Pour le coup, je serais curieux de lire des argumentations positives sur le film, car au-delà de la volonté de choquer, j’ai globalement eu le sentiment de regarder un film qui n’a pas grand chose à dire, qui le sait, et qui le compense avec sa volonté de choquer à tout prix.

4/10

[Jed_Trigado]

Si t'as pas accroché a celui-là, tu peux oublier Ferreri, c'est un gars qui est constamment dans l'insolence.

[Alegas]

C'est l'impression que j'avais en discutant avec quelqu'un à propos de La dernière femme. Je tenterais peut-être un jour ce dernier pour Depardieu, mais ouais le reste ne me dit rien qui vaille.

[pabelbaba]

Il était sulfureux à l'époque et jusque dans les 90s, mais aujourd'hui j'ai bien l'impression qu'on ne parle plus du tout de lui. Pas emballé non plus, mais je regarderai sans doute son adaptation de Bukowski pour comparer.