[Olrik] (｀０´)ﾉ 映画 2025 !

[Olrik]

Une des plus belles figures de tentatrices de l'histoire du cinéma. Le personnage de Trintignant qui se retient, qui va s'allonger sur le sofa alors que Maud lui demande de venir à ses côtés dans le lit. La bonne résolution dure 10 secondes !

[osorojo]

Je te lirai plus tard, j'avais envisagé de le sélectionner, tu confirmes, je le mets au programme.

[Olrik]

Journal d'un voleur de Shinjuku
Nagisa Oshima - 1969

Eh bé ! Y’a pas à dire, Shinjuku en 1969, ce devait être quelque chose, niveau foisonnement arty. Je ne sais pas si j’ai goûté pleinement le voyage (le genre de film qu’il faut laisser un peu infuser), mais il faut reconnaître que l’heure et demie proposée par Oshima fait feu de tout bois pour éviter toute routine. L’histoire ? En gros la liaison entre deux jeunes gens : lui choure des livres aux étalages d’une librairie de Shinjuku, elle l’en empêche. Un lien se tisse et, ensemble, ils vont partir en quête de l’extase sexuelle, la vraie.

Alors n’attendez pas un déluge de scènes pinku. Rie Yokoyama est bien jolie (actrice que l’on retrouvera notamment dans l’un des épisodes de Scorpion) mais elle ne payera pas vraiment de sa personne, tout comme son alter ego masculin, l’artiste Tadanori Yokoo. Leur quête est un prétexte à un patchwork narratif de différentes saynètes, tantôt en noir et blanc, tantôt en couleurs, souvent très verbeuses et nonsensiques. Vous l’aurez compris, il faut être disponible d’esprit, bien plus que pour un des pinkus contestataires de Wakamatsu. On est en fait dans la Nouvelle Vague davantage tendance godardienne que rohmerienne. Irritant et en même temps inventif et énergique. Une interview de Yokoo présente dans une récente édition bluray révèle que le tournage s’est fait au jour le jour dans une improvisation totale. Tellement totale d’ailleurs que la scène de vol à l’étalage dans la librairie est une vraie scène de vol. Et si l’on se sent d’humeur interprétative, on saura faire son profit de la profusion de symboles que l’on y trouve. Bref, dans Shinjuku dorobo nikki il y a largement matière à trouver un minimum d’intérêt derrière ce déluge de grand n’importe quoi.

Après, pour ce qui est de cette quête d’extase sexuelle, on préférera tout de même se (re)lancer dans l’Empire des sens…

[Alegas]

Porte des Lilas
René Clair - 1957

Un certain charme, oui, mais pas un charme certain.

Le principal intérêt est d’y voir Brassens dans son unique rôle au cinéma. Si la prestation n’a rien de déshonorant, on sent aussi que le chanteur n’est pas particulièrement à l’aise, et l’on comprend pourquoi il ne réitérera pas l’expérience (contrairement à un Jacques Brel beaucoup plus convaincant). Il y a cependant présence, et même voix, forcément, quand on l’entend chanter trois chansons. C’est d’ailleurs un peu frustrant car avec sa capacité à insuffler joie ou mélancolie, il y avait moyen d’améliorer l’atmosphère du film en contrebalançant le côté criard et misérable par une poésie populaire qui aurait pu accompagner et rendre plus touchant l’intérêt du vieux bon à rien alcoolique qu’est Juju (Pierre Brasseur) pour Maria (Danny Carel), la fille du bistrotier, ou encore de son admiration un peu stupide pour un malfrat en cavale, Pierre Barbier (Guy Vidal).

Car j’avoue avoir eu du mal à accrocher au triangle amoureux entre ces personnages. Bon, j’ai peut-être vu trop de Tora-san, mais c’est vrai que Brasseur en canard boiteux de la famille m’a semblé trop jouer sur le même registre. Et qu’il soit pris d’admiration pour le connard fini qu’est Barbier n’est pas vraiment convaincant. Vidal fait un peu Jean Marais du pauvre et son hystérie de tous les instants est tellement irritante qu’on se demande pourquoi les deux compères qui le planquent ne finissent pas par craquer et le livrer aux cognes. Même chose pour le personnage de Danny Carel. Je veux bien croire qu’elle est habituée aux rôles de petites grues sexy et décérébrées, mais quand même… s’amouracher de ce type… bon un Delon ou un Belmondo, j’aurais compris, mais là… – il est vrai aussi qu’avec l’environnement vinassé dans lequel elle vit, on peut comprendre qu’elle ait très envie de mettre les bouts avec le premier venu.

Même l’aspect populaire ne me semble pas totalement réussi. C’est esquissé au gros charbon, j’aurais aimé un peu plus de moelleux, de tendresse, avec des personnages plus ronds, moins aigres (là aussi, merci Tora-san). Exemple avec les sales gosses du quartier : j’ai beaucoup aimé la scène où on les voit par la fenêtre du bistrot jouer dans la rue toute une scène de braquage, braquage qui accompagne la lecture à haute voix par le bistrotier d’un fait divers répondant exactement à ce que miment les mômes. Mais à côté de cette scène, ils sont la plupart du temps autant de mômes piaillards et insupportables. Lors d’une scène, l’un d’eux s’empare de la gratte de Brassens pour chanter n’importe quoi. C’est tout un symbole : une potentielle poésie chantée environnée d’une odeur de crotte et de caniveau.
Certain charme, donc, mais aussi occasion manquée je trouve, si l’on avait vaqué Brasseur et Vidal (bon, les miches de Carel, on peut les garder) et surtout donner plus d’importance au personnage de Brassens.

[Olrik]

La Pendaison
Nagisa Oshima - 1968

Une des plus fameuses planches des Idées Noires de Franquin est celle traitant du thème de la peine de mort, avec un bourreau qui, après avoir guillotiné un condamné, se voit lui aussi condamné à être exécuté par un autre bourreau, qui sera lui-même exécuté, etc.

Cette conclusion radicale, le condamné de La Pendaison l’aura aussi à la toute fin du film, au bout d’une heure cinquante. Mais c’est un des aspects du questionnement d’Oshima qui, dans son premier film pour l’ATG, va plonger le spectateur tenant aussi bien du documentaire réaliste (la présentation du lieu, la liste minutieuse de toutes les actions à effectuer pour bien pendre un criminel) que du récit kafkaïen (les rouages administratifs, le fait que le criminel se nomme R et, petit clin d’œil supplémentaire, le fait qu’il ait un deuxième nom japonais : K), du théâtre pirandellien (le film devient un dispositif théâtral, où tout est reconstruit artificiellement pour produire la vérité) ou du théâtre de l’absurde (les délires des personnages qui reconstituent le crime et qui, partant, révèle les fissures et les absurdités de l’institution).

Autant dire qu’il ne faut pas s’attendre à un film linéaire mais à une démonstration aussi foisonnante qu’exigeante, d’autant qu’au-delà de la peine de mort, le film questionne aussi la discrimination des coréens Zainichi dans la société japonaise ou le lien entre pauvreté et criminalité. Bref, de quoi nourrir des visionnages ultérieurs.

Pas l’Oshima le plus accessible, mais un film qui, sur le sujet de la peine de mort, n’a pas à rougir aux côtés des Sentiers de la Gloire, de Kubrick, ou du Procès, de Welles. En tout cas un film qui impose Oshima comme une figure importante du cinéma mondial en cette fin des années 60.